МАРИАНО ФОРТУНИ. СТИЛЬ ВНЕ ВРЕМЕНИ. часть 1: плиссировка: la_gatta_ciara
Имя Фортуни, конечно, связано не только с 20-ми годами, но на то время пришелся самый пик его популярности.Очень не хочется повторять здесь всем известную информацию о Фортуни, но вдруг, кто не знает? Поэтому, копирую из Википедии:
«Сын известного художника-ориенталиста Мариано Фортуни-е-Марселя (1838—1874). Остался без отца в трёхлетнем возрасте, в детстве жил с матерью в Париже и Венеции, много путешествовал по Европе, был подающим надежды художником, скульптором, архитектором, фотографом, но предпочёл стать дизайнером. В 1897 году женился на Анриэтте Негрин.
В конце 1890-х Фортуни увлекся набойкой тканей и создал коллекции парчи, бархата и гобеленов в венецианской технике XIV—XV веков, а в 1901 году представил сшитые из этих материалов модели в Париже.
Немного позднее он запатентовал способ плиссировки шёлка, которая с тех пор носит название «плиссировка Фортуни»».
Википедия правильно указывает на две важные вещи в творчестве Фортуни, как дизайнера одежды: плиссированные платья «Delphos» (платья — хитоны в греческом стиле) и набивной бархат.Плиссированные платья были придуманы им в 1907 году, а в 1909 — запатентованы. Художник не считал себя модным дизайнером, ему было интересно работать с тканью, формой, цветом и фактурами. Тем не менее, его платья были невероятно популярными.
Изначально, «дельфосы» носили дома – в качестве чайного платья. Напомню, что начало ХХ века – это корсеты и сложные силуэты, а модели Фортуни категорически исключают корсет. Но, как раз, чайное платье позволяло дома ходить в удобном и красивом наряде.
Разумеется, первым популяризатором этого платья была жена и муза дизайнера.
Но потом, его полюбили многие женщины. Самые известные клиентки Фортуни — актрисы: Сара Бернар, Айседора Дункан и Наташа Рамбова. Они стали появляться в подобных нарядах на публике, с тех пор, платье-дельфос от Фортуни стало ассоциироваться с артистичной женщиной, независящей от чужого мнения. А еще позже — стало модно и престижно обязательно иметь в гардеробе подобное платье.
Айседора Дункан и Сергей Есенин
Наташа Рамбова
Лилиан Гиш
Метод его плиссировки с одной стороны – понятен, но, с другой стороны, неповторим. Есть версия, которая мне кажется сомнительной, что вручную шелк сметывали в мелкие складочки, обрабатывали специальным составом, а потом прогоняли через горячие фарфоровые валики. Но добиться такого же результата, как у Фортуни, в наше время не смог никто.
Для подобного платья брали в 5 раз больше шелка, ведь плиссировка сжимает объем ткани. Для утяжеления края и подола Фортуни нашивал бусины из муранского стекла
Помимо плиссировки и подражания античным образцам меня в этих платьях восхищает их цвет.
В то время уже использовались анилиновые красители. Фортуни же красил свои шелка вручную и только с помощью натуральных красок.
На первый взгляд кажется, что такие платья сделать просто. Но на самом деле, качество работы Фортуни заключается в неповторимости: для каждой клиентки специально создавался новый оттенок. Учитывалось и то, как движение и свет влияют на цвет.
Одним из его источников вдохновения был венецианский художник Карпаччо.
Вертикальная плиссировка делала ткани похожими на современный трикотаж: они становились эластичными и легко, словно струи водопада, стекали по женской фигуре, повторяя все её изгибы.
Как все просто и вместе с тем – восхитительно красиво! Такие платья хранились и продавались в скрученном состоянии в коробке, напоминающей шляпную.
«Дельфосы» не стирали, а если нужно было почистить – возвращали в мастерскую Фортуни, где их приводили в порядок и даже реставрировали складки.
Именно такой вариант одежды «от Фортуни» использовали художники по костюмам в фильмах «Крылья голубки» и «Возвращение в Брайдсхед», чтобы подчеркнуть в них независимость и артистическую склонность.
«Крылья голубки»
Возвращение в Брайдсхед»
Его платья вне времени, потому что имеют свой стиль.
Наталья Водянова на вечеринке
Известная модель и коллекционер винтажной одежды от кутюр Татьяна Сорокко
Во второй части я немного расскажу о набивных тканях Фортуни.
Платье «Элеонора»
Фортуни также создавал костюмы для актёров. Одно время сотрудничал с Элеонорой Дузе, итальянской актрисой, которая дала свое имя этому творению.
Это было трафаретное бархатное платье с боками с плиссированными складками Delphos. Оно вдохновлено средневековой готической одеждой и украшено крылатыми животными: точно такие же грифоны украшали ткани города Лукка в 14 веке.
Платье было популярно среди женщин, склонных к романтизму и средневековой эстетике — ну а как устоять перед такой красотой? Оно также напоминает работы Уильяма Морриса, который восстанавливал готическое искусство, — говорит Люсина Льоренте, имея в виду средневековое платье, которое стало модным в кругах творческой богемы середины XIX века.
Последние годы жизни
Уже в 1920-е годы Матисс приобрел всемирную известность: выставки проводили в Европе и США, его начинали узнавать. Примерно в то же время у Анри заболела жена и требовалась помощница, которая могла бы ухаживать за ней. На пороге их дома появилась Лидия Делекторская — русская эмигрантка, чья семья погибла во время гражданской войны.
Мадам Матисс нисколько не переживала, что молодая особа работала в их доме. С Лидией у них сложились прекрасные отношения: девушка была аккуратна, скромна, внимательно относилась к женщине. К тому же, светловолосая Лидия не была во вкусе Матисса — ему нравились невысокие брюнетки южной внешности. Долгое время он ее даже не замечал. Но однажды Лидия сидела рядом с кроватью Амели, сложив руки на спинке стула и облокотив голову, внимательно слушая ее. Матисс задержал на ней свой взор и попросил не двигаться. Он сделал пару зарисовок, после чего стал чаще писать ее портреты.
Лидия Делекторская Портрет Лидии Делекторской
Жена была недовольна таким поворотом, хотя явной измены или проявления отношений между Матиссом и Делекторской не было. Но боялась Амели другого: раньше она была единственной его музой, источником вдохновения, его поддержкой. Теперь Матисс светился лишь рядом с Лидией. В скором времени брак между Амели и Анри распался, после чего Матисс провел с Делекторской более 20 лет. Она стала его секретарем и помощницей. Она ухаживала за ним во время болезни, смешивала краски, раскрашивала бумагу. Между ними никогда не было физической связи, их любовь была платонической и очень благотворной. «Каждый раз, когда я скучаю я сажусь за портрет госпожи Лидии — и тоски как не бывало» — говорил Матисс.
Как Матисс изменил искусство ХХ века и повлиял на творчество других
Осознать масштаб влияния Матисса сложно: выразительные формы, открытые им, окружают нас везде в повседневности. Цветовые палитры, приемы и техники закрепились в прикладном дизайне, и более того: стали его отправной точкой. Его «декупажи» с понятными формами и цветами, упрощенными до основы, имели графический характер. Матисс одним из первых осознал декоративную силу живописи, которая доступна каждому, кто чувствует красоту, а не только избранным ценителям. Живопись, способная воздействовать только линиями и красками, образующими единую симфонию красоты.
Пионерами современного искусства принято считать Пикассо, Поллока или Ротко. Но раньше всех них Матисс отказался от традиционной живописи, что прибавило смелости будущим поколениям художников. Он дал негласное разрешение творить так, как хочет сам живописец, не бояться критики и выражать себя.
Приемы Анри можно узнать в работах многих уважаемых художников. Сочетание ярких красок и плоские силуэты, условно обозначающие объект, искаженная перспектива, люди, написанные синим и коралловым цветом, — все эти особенности можно увидеть в работах Милтона Эвери. Если же вам довелось познакомиться с картинами Дэвида Хокни, то в его пестрых пейзажах непременно можно уловить влияние фовизма. Вибрирующие и праздничные полотна Мириам Шапиро также отсылают к известным приемам француза. Влияние послевоенного стиля декупажей заметен в работах Эллсворта Келли и в инсталляциях Джуди Пфафф.
Знаменитую улитку Матисса дизайнеры и модельеры использует практически как настольную книгу. Например, Пол Смит делился, что часто обращается к ней в поиске вдохновения: бери оттуда любые цвета и они будут прекрасно сочетаться друг с другом.
Улитка, 1953
Поразительно, насколько этот великий художник был одержим своей главной идеей на протяжении всей жизни: «чем проще средство — тем сильнее выражено чувство». Он никогда не переставал открывать новое и искать способы упрощения формы до ее естественного состояния.
Не требует долго копаться в себе, чтобы понять, какое воздействие оказывают на нас работы Матисса — эти чувства абсолютно искренние. Удивительно, что более 100 лет спустя они остаются источником вдохновения для многих людей и отголоски его идей можно увидеть повсюду.
Матисс окружает нас во всем.
Интересные факты:
- Каждый год Матисс дарил Делекторской по одному портрету. Так у Лидии их скопилась целая коллекция. Многие картины она дарила Советскому Союзу, куда ей так и не удалось вернуться.
- Не кажется ли вам узор скатерти из «Красной комнаты» знакомым? А если представить его в голубом цвете? Картина изначально была в тех же тонах, что и «Натюрморт с голубой скатертью». Накануне выставки Матиссу полотно показалось недостаточно декоративным, и он перекрасил его в красный.
- Пабло Пикассо очень бережно относился к картинам, подаренным Матиссом: каждое полотно он относил для сохранности в сейф.
- При поддержке семьи Стайнов Матисс основал свою Академию искусств. Молодые и амбициозные художники ринулись туда, в надежде научиться писать как Матисс — так же смело и революционно. Однако к своему удивлению обнаружили все тот же классический подход, что был в остальных школах и академиях. Матисс был убежден: без прочной академической основы настоящего художника быть не может.
- В 1920 году по заказу известного театрального деятеля Сергея Дягилева Матисс стал автором эскизов костюмов и декораций для балета «Песнь Соловья»
- За два дня до кончины Матисс пережил микроинсульт. Делекторская вспоминала, как зашла к нему накануне смерти в спальню и произнесла: «В другой день Вы бы сказали: давайте карандаш и бумагу» на что он ответил: «Давайте карандаш и бумагу»
Фортуни и Древняя Греция
Рассматривая моду как интеллектуальное и художественное явление, Мариано Фортуни был протагонистом использования греческой темы в декоре и в костюме. В его коллекциях обращение к греческой теме подразумевало появление туники — прямого платья из тонкого плиссированного шёлка. Ориентиром его работ стала Архаическая Греция, открытая незадолго до того благодаря археологическим исследованиям Генриха Шлимана и Артура Эванса. Представления о древнегреческой цивилизации, получившие распространение в конце XIX — начале XX веков, стали основным мотивом платьев Фортуни. Его образ Древней Греции был связан с наследием крито-микенской культуры, в противовес увлечению античной классикой, считавшейся главным художественным ориентиром и стандартом на протяжении нескольких столетий. Стремление использовать греческие мотивы и соответствовать эстетическим вкусам своего времени, приобрели решающее значение в попытках Фортуни определить моду как искусство.
биография
Он является сыном художника-востоковеда Марии Фортуни и Сесилии де Мадрасо-и-Гаррета из семьи художников, отец последней был директором музея Прадо . Отец Мариано Фортуни умирает молодым, но завещает ему коллекцию редких предметов (африканское, доколумбовское искусство, различные ткани и т. Д.), Которые кутюрье будет использовать в своих работах, например, азулежу , узоры которых украшают его кносские шали.
В 1897 году он встретил в Париже Генриетту Негрин , на которой женился несколько лет спустя и чья роль как полноценного сотрудника была подчеркнута на выставке в Музее дю Пале Фортуни в Венеции. Примерно в 1899 году он создал в Венеции текстильную компанию, для которой сам разрабатывал выкройки. В истории моды его имя по-прежнему ассоциируется со складками, но он также является художником этого мотива, меняя вдохновение в тканях (коптский, византийский), украшениях (критский) или каллиграфии (куфический). Также используется прогрессивное окрашивание. Несмотря на свой статус кутюрье, он выбирает более простые формы одежды, такие как джеллаба или старинные тоги. В 1911 году он выставил шали и платья, отмеченные эллинизмом, в Музее декоративного искусства в Париже ; летописец Фигаро того времени писал: «Эта длинная марлевая гандура, отпечатанная серебряными поплавками, похожа на туман, призванный скрыть порог этого божественного логова. Фортуни — изобретатель этих золотых и серебряных принтов, которые он использует для вышивки, не утяжеляя ткань и не искажая складок » .
Он также интересуется гравюрой, фотографией и живописью ( «Меня всегда интересовало многое, но живопись была моей настоящей работой» ), он зарегистрировал несколько патентов на изобретения, касающиеся света. Любитель Рихарда Вагнера и оперы в целом, он действительно работает над сценическим освещением.
Писатель Марсель Пруст был вдохновлен работой Мариано Фортуни в «Тюрьме» (1923): «Это было на картине Карпаччо, которую взял блестящий сын Венеции, это было с плеч этого компаньона Кальцы, которого он развязался, чтобы бросить его на стольких парижанок » . Без каких-либо доказательств контакта между писателем и модельером, у обоих была общая знакомая Мария Хан де Мадрасо, сестра композитора Рейнальдо Хана , жена дяди Мариано Фортуни. В письме к последнему Марсель Пруст объясняет, что он мог бы дать лейтмотив своего исследования, связанного с Мариано Фортуни, спрашивая своего корреспондента, вдохновлялся ли художник картиной Витторе Карпаччо на создание платья, на что она отвечает в утвердительный.
Несколько известных женщин носили ее платья (иногда через несколько десятилетий после ее смерти), например, Глория Вандербильт , Лорен Хаттон или приемные дочери Айседоры Дункан .
Он ремонтирует частный театр графини Мартин-Мари-Поль де Бехаг , расположенный в Hôtel de Béhague (Париж); спектакль открывается29 марта 1906 г..
Сотрудничал с модным домом Babani .
В Париже с 1912 года он владел бутиком на 2 bis rue de Marignan , переехав в 1922 году на 67 rue Pierre-Charron . В Лондоне он открыл магазин в 1912 году 29 Maddox Street (в) и Бонд — стрит .
В октябрь 2017платье Мариано Фортуни, проданное на Sotheby’s, было продано за 8 500 евро, что значительно превышает первоначальную оценку.
Стивен Кинг
Стивен Кинг известен среди поклонников мистики и ужастиков. Его замечательные книги читают миллионы людей по всему миру. Сейчас очень сложно поверить, что его первую книгу «Кэрри», издатели отказывались публиковать тридцать раз. Последний, тридцатый отказ переполнил чашу терпения Стивена Кинга.
Он, попросту выбросил свою рукопись в мусорное ведро, но она попалась в руки его жене, которая таки уговорила своего мужа не отчаиваться и не сдаваться. После этого, Стивен Кинг решил снова испытать удачу и отправил эту рукопись в другое издательство. В это раз, рукопись понравилась редактору и получила большой успех, а вместе с этим началась успешная карьера великого и знаменитого на весь мир писателя.
Инженер по свету
В 1892 году, увидев некоторые из Рихард Вагнер работал в Париже, Фортуни ездил в Байройт, Германия где Вагнер построил театр, специально предназначенный для постановки своих опер. Он был очарован работами Вагнера и начал писать сцены для своих опер, когда вернулся в Венецию. В вагнеровской драме картина, архитектура, песня, танцевать, и поэзия все работали вместе для достижения общей цели. Это повлияло на мировоззрение Фортуни и послужило источником вдохновения для создания совершенно нового типа театрального дизайна, в котором дизайнер и техник работали бы вместе над проектом от идеи до реализации. Фортуни и другие последователи этой концепции считали, что можно улучшить качество продукта, только хорошо разбираясь в сырье и процессе его изготовления. Он также считал, что лучший тип дизайна создается, когда художник знает, как воплотить его в жизнь, и контролирует все этапы творческого процесса.
Благодаря своему опыту с Вагнером и театром Фортуни стал инженер по свету, архитектор, изобретатель, режиссер и сценограф. Как художник-постановщик, он хотел создать более плавный способ перехода от одной сцены к другой, чем вылет фон и внесение нового. Он начал экспериментировать со светом и разными способами сделать это на чердаке своего палаццо в Италии. В ходе своих экспериментов он обнаружил, что отражение света от различных поверхностей может изменять цвет, интенсивность и другие свойства света. Его трактат 1904 года Eclairage Scenique («Сценическое освещение») описывает открытие, которое легло в основу его техники непрямого освещения. Он пришел к выводу, что «… не количество, а качество света делает вещи видимыми и позволяет зрачку … правильно открываться».
Он использовал эти методы непрямого освещения в своем новом изобретении, куполе циклорамы Фортуни, сооружении в форме четверти купола. штукатурка или ткань. Фортуни впервые подал патент на свою систему непрямого театрального освещения в 1901 году и после этого постоянно совершенствовал свое изобретение. Форма создавала вид более обширного неба, и Фортуни мог создать любой тип неба, который он хотел, отражая свет на него определенным образом. Он мог даже отражать облака на заднем плане, рисуя разные предметы на зеркалах, которые отражали свет на купол.
В течение 1920-х годов вклад Фортуни в театр получил широкое признание. После изучения и усовершенствования его купола, его использование становилось все более популярным во многих театрах Европы. Вскоре с ним заключили контракт на установку купола в знаменитом оперном театре Милана Ла Скала. Однако для этого проекта от него потребовалось внести некоторые изменения в купол, чтобы использовать его с максимальной отдачей. Театр был намного больше, чем его первоначальный купол, поэтому он увеличил размер, чтобы он мог позволить куполу полностью заполнить пространство сцены. Он также сделал так, что купол был «электрически управляемым и мог складываться и раскладываться, как гигантский аккордеон, за 90 секунд. Что еще более впечатляюще, он изобрел вытяжной вентилятор специально для этого проекта, который вытеснял воздух так, чтобы чтобы структура оставалась натянутой. С точки зрения публики это помогло глубине фона казаться почти бесконечной, как если бы вы смотрели на ночное небо, которое никогда не заканчивалось. После того, как были сделаны все адаптации и строительство было завершено, купол успешно открылся 7 января 1922 года с постановкой «Парсифаля».
Основываясь на той же концепции купола, Фортуни создал лампу, которую можно было использовать для воссоздания внутреннего освещения на сцене, Fortuny Moda Lamp. Первоначально предназначенный для использования в качестве сценической лампы и запатентованный в 1903 году, этот светильник остается популярным в качестве торшера.
Жизнь
Фортуни родился 11 мая 1871 года в артистической семье в г. Гранада, Испания. Его отец художник-жанрист, умер, когда Фортуни было три года, а его мать, Сесилия, переехал с семьей в Париж, Франция. Уже в юном возрасте стало очевидно, что Фортуни был одаренным художником, проявляя талант к живописи, а также страсть к текстилю. В детстве он познакомился со множеством различных тканей и тканей, что сильно повлияло на его творчество. Его родители были увлечены материалами и имели свои собственные коллекции тканей из различных магазинов, которые они посетили в Европе. Его отец также коллекционировал металлические изделия и доспехи из прошлых веков в качестве хобби. В детстве он был очарован всеми этими тканями и красил куски материала для развлечения. Именно это воздействие привело его к разработке и производству собственных тканей и платьев. Семья снова переехала в 1889 году в Венеция, Италия. В молодости Фортуни путешествовал по Европе в поисках художников, которыми он восхищался, в том числе немецкого композитора. Рихард Вагнер. Фортуни стал весьма разнообразным в своих талантах, некоторые из них включают изобретать, картина, фотография, лепка, архитектура, травление и театральные сценическое освещение. В 1897 году он встретил женщину, на которой женился, Генриетта Негрин, в Париже. Находясь в Париже, Фортуни зарегистрировал и запатентовал более 20 изобретений в период с 1901 по 1934 год.
Он умер в своем доме в Венеции и был похоронен в Кампо Верано в Рим. Его творчество было источником вдохновения для французского писателя. Марсель Пруст.
Модельер
Вид на Палаццо Фортуни в Венеции, где жил и работал Мариано Фортуни
Достижения, которыми Фортуни наиболее известен, были достигнуты в области дизайна одежды. Его жена Генриетта Негрин был опытным портным, который помогал создавать многие из его моделей. С 1902 года они жили в Палаццо Пезаро Орфей в Венеции,:49 которую Фортуни заполнил произведениями искусства своих отец, искусство, которое коллекционировал его отец, и другие произведения искусства и артефакты, которые его вдохновляли. Он назвал палаццо своим «мозговым центром», где у него было множество комнат для экспериментов и изобретений, а также комнат для вдохновения. В своем дизайне одежды Фортуни черпал вдохновение в легкой, воздушной одежде. Греческий женщины, которые цеплялись за тело и подчеркивали естественные изгибы и формы женского тела.[нужна цитата ]
Фортуни восстал против линий стиля, которые были популярны в то время, и они с Генриеттой создали Платье Delphos, платье прямого кроя из тонко сложенного шелка, утяжеляемого стеклянными бусинами, которые сохраняли его форму и струились по телу. В плиссировка все, что он использовал, было сделано вручную, и никто не смог воссоздать плиссировку, которая была бы такой прекрасной, как его[нужна цитата ] или уже много лет сохраняет свою форму, как его платья. Он также производил свои собственные красители и пигменты для своих тканей, используя древние методы. Этими красителями он начал печатать на бархате и шелке и красил их с помощью изобретенного им пресса с деревянными блоками, на которых он гравировал узор. Его платья сегодня считаются прекрасными произведениями искусства, и многие из них сохранились в музеях и личных коллекциях, все еще со складками.
В Париже одежду Fortuny продавали в розницу Бабани, который продавал актрисе платья и другую одежду Delphos. Элеонора Дузе.
В 2012 г. Испанский институт королевы Софии в Нью-Йорке открылась выставка его работ.
Его клиентами были Элизабет, графиня Греффуль и ее дочь Элен Греффуль, Элеонора Дузе, Эллен Терри и Уна О’Нил.
Генри Форд
Этот знаменитый во всем мире создатель автомобилей марки Ford, на пути к своему успеху, также столкнулся с целым рядом неудач. Первая, созданная Фордом компания быстро обанкротилась в результате маленьких продаж. После чего, его инвестор Уильям Мерфи, отказался дальше финансировать его проект.
Но, все же Форду удалось уговорить этого бизнесмена дать ему еще немного денег на создание другой компании, но к сожалению, эта его идея также в треском провалилась.
После этого Форд прекращает свое сотрудничество с Уильямом Мерфи и начинает работать с Александром Малконсоном, который был продавцом угля и решил профинансировать очередной проект Генри Форда. Тогда Форду пришлось значительно улучшить дизайн выпускаемого автомобиля и спустя некоторое время Ford Motor Company стала известной на весь мир компанией и лидером в сфере производства и продаже автомобилей.
Фортуни и театр
Также Фортуни работал в сфере театра. Его интерес к театру зародился на волне увлечения музыкой и сценографией к операм Рихарда Вагнера. В 1892 году Фортуни слушал оперы Вагнера в Париже, а затем, во время путешествия по Германии, посетил театр в Байройте, специально построенный Вагнером для постановки его произведений. Сценография театра в Байройте побудили Фортуни заняться театральной инженерией и декорацией, поддержав его в интерес к созданию синтетического произведения искусства. Идеальный театр Фортуни — это организм, где технические принципы и декоративные элементы объединены в единую систему.
Он изобрел систему смены театральных декораций, известную как «панорамный купол Фортуни». Он был обладателем патентов в области декоративного и театрального освещения. Один из первых патентов, связанных с осветительной системой театра был получен Фортуни в 1901 году. В 1922 году его изобретения были использованы в театре Ла Скала в Милане при постановке вагнеровского Парсифаля.
Философия цвета Матисса
Но чего именно стремился достичь Матисс своими экспериментами с цветом? Для многих людей искусство Анри до сих пор остается загадкой — ведь «так может нарисовать ребенок». И в этом заключается главный парадокс: Матисс стремился создать искусство, которое будет понятно всем, не требующее подготовки для понимания символов и сложного содержания.
Анри хотел найти цвет, передающий радость или спокойствие, гармонию или веселье, печаль или напряженность. Его роль как исследователя заключалась в изучении воздействия цвета на человека. Он намеренно искажал перспективу и объем предметов — эту функцию восполняла контрастность одной фактуры с другой. Даже крупные мазки неслучайны на картинах — то, как они поставлены, задает динамику картине.
Несмотря на красочность работ Матисса, особенно в его «дикий» период, бунтарем его мало кто мог назвать. Благополучный семьянин, отец троих детей, который мало с кем делился подробностями своей личной жизни, он держался очень достойно на людях и казался скромным, глубоким человеком. Матисс всегда солидно выглядел — строгий костюм, аккуратно подстриженная борода, чему он в том числе обязан своей жене, которая не терпела неопрятности. Познакомившись с Анри, никто не мог бы подумать, что авторство столь красочных полотен принадлежало ему. Вероятно, весь яркий спектр эмоций он выплескивал на холст, а не отражал в своем образе жизни. С другой стороны, живопись и была его образом жизни.
Женщина, сидящая спиной к открытому окну, 1922
Матисс в первую очередь работал с выразительностью, с образом, который не всегда мог совпадать с действительностью. Женщины часто были его моделями, однако картины с ними многим казались отталкивающими. Матисс выражал красоту отдельно от модели, даже отдельно от физической реальности. Инструментом выразительности мог быть контекст, в который помещена модель, орнамент, палитра, линии. И все детали такой композиции работали на формирование определенного образа. Однажды у Матисса спросили: «Неужели вам нравятся такие женщины?» на что он ответил: «Повстречайся мне такая женщина, я бежал бы без оглядки. Но я рисую не женщин, а картины».
Стиль Матисса узнаваем не только из-за свойственных ему особенностей написания. Художник был привязан к обычным, на первый взгляд, вещицам: статуэткам, кофейникам, тканям, вазочкам или аквариуму с рыбками. Зачастую фоном на его картинах могли служить собственные же картины. То и дело можно заметить тот или иной предмет на его полотнах, особенно на его известной серии комнат и натюрмортах.
Красные рыбки и скульптура, 1911
Красные рыбки, 1911
Севильский Натюрморт, 1911
Испанский натюрморт, 1911
Красная комната, 1908
Натюрморт с голубой скатертью, 1909
Биография
Мариано Фортуни (полное имя Мариано Фортуни-и-Мадрасо) родился 11 мая 1871 года в Гранаде, Испания. Он был человеком, посвятившим свою жизнь искусству и прославившимся во всем мире своими тканями в стиле модерн, которые украшали лучшие музеи, церкви, дворцы и дома с 1906 года. Фортуни был опытным дизайнером-новатором, архитектором, изобретателем, кутюрье и светотехником. Его отец, Мариано Фортуни-и-Марсал, также был художником и коллекционером древних восточных тканей и ковров, редких гончарных изделий и металлического оружия.
Фотографии Мариано Фортуни
Мальчик лишился отца в 1874 году, поэтому вместе со своим дядей переехал в Париж, где обучался живописи. В 1889 году он вместе с матерью переехал в Венецию и прожил там всю оставшуюся жизнь. Увлекаясь живописью, Фортуни также интересовался фотографией и сценографией. Под влиянием всех этих ремесел он научился контролировать все процессы в своих проектах. Например, для театра он создал новаторские техники освещения, изобрел свои собственные красители и ткани для декораций, а также машины для печати на ткани. В совокупности Фортуни получил более 20 патентов на свои изобретения.
