Развитие жанра натюрморт
Появление жанра следует связывать со становлением реализма. Как самостоятельное направление натюрморт оформился в XVI веке. До этого момента предметы обихода также изображали, но в основном – в качестве составляющей религиозных картин, портретов великих людей, как часть исторических и бытовых сцен. Но постепенно он выходит из категории «сопутствующего жанра». Сложно сказать, когда конкретно направление стало отдельным видом, но первым натюрмортом принято считать работу Якопо де Барбари «Мюнхенский натюрморт» 1504 г.
Якопо де Барбари. Мюнхенский натюрморт (6)
Своего расцвета натюрморт достиг меньше, чем через столетие, в XVII веке. Голландский, фламандский и испанский натюрморт XVII века – это своеобразное поэтическое отражение традиций быта того времени.
«Малые голландцы», сыгравшие большую роль в становлении натюрморта, начали писать отдельные предметы и их сочетания в различных формах, отдельно от других жанров. Появился термин «застывшая жизнь». На картинах изображались завтраки, обеды – как простых людей, так и высоких особ. Определенным шиком считалось изобразить охотничьи трофеи – с мертвыми животными, птицами, разнообразной дичью. Стали популярными рисунки с букетами цветов.
Балтасар ван дер Аст. Корзина с цветами (7)
Появляются натюрморты с черепами – как животных, так и людей. Обычно они сочетаются с книгами, перьями и чернилами, другими канцелярскими вещами того времени, религиозными предметами. Изображения становятся определенными символами. Например, стекло – философская категория хрупкости, часы – утекающей жизни и смертности человека, яблоко означает искушение или грехопадение. За предметами в картине прячутся засекреченные смыслы бытия.
В русском искусстве натюрморт стал популярным позже, в XVIII веке. В это время, художники начали отходить от иконописи, исторических картин и портретов известных людей, стала популярной светская живопись. И если изначально натюрморт в России рассматривался как учебная постановка или дополнение к основному сюжету, то теперь он выходит на первый план (2).
Расцветом жанра считают конец XIX, начало XX вв. И здесь натюрморт получил распространение не только в академической, реалистической плоскости. За его развитие активно взялись импрессионисты, кубисты, футуристы, экспрессионисты и другие живописцы.
Если говорить о современном искусстве, натюрморт стал присутствовать не только в живописи и скульптуре. Фото и киноискусство стали использовать неживые предметы в своих целях, особенно в целях рекламы. Коммерческие художники, фотографы – все они начали создавать привлекательный образ товаров с помощью натюрморта.
Особое место заняли современные инсталляции – с помощью простых вещей, их частей и даже простого мусора уличные или известные художники создают нечто новое в жанре. Натюрморт становится определенным художественным экспериментом.
Что такое фуд арт #Food Art? — Еда как искусство? Искусство еды? Съестное искусство? Произведения искусства из еды?
Food Art включает различные подходы к созданию произведений искусства из еды или к изображению еды как предметов искусства.
Фуд арт — это…
Википедия: Food Art или Eat Art — направление в современном искусстве, в рамках которого еда выступает в качестве выразительного средства при создание произведений искусств, является одним из направлений нового реализма. Зародилось в 1960-х годах во Франции.
Уже в каменном веке пища использовалась для производства произведений искусства: наскальные рисунки создавались с использованием растительных и животных связующих для используемых цветов.
Искусство Древнего Египта показывает многочисленные изображения хлеба, круп и других продуктов.
В римском искусстве также есть многочисленные фрески, мозаики и скульптуры с фруктами, подношениями и праздниками.
Средневековые рукописи содержат подробные изображения блюд в различных социальных контекстах. — Тайная вечеря один из самых известных мотивов, где изображается еда.
В эпоху Возрождения Джузеппе Арчимбольдо создавал удивительные портреты из фруктов и овощей.
Натюрморты со столами для завтрака, морепродуктами и экзотическими деликатесами относятся к Золотому веку Голландии.
Фрукты и овощи также изображаются эротическими символами.
Натюрморты с фруктами известны и из более поздних художественных эпох. Мастером этого искусства был Поль Сезанн.
Филиппо Томмазо Маринетти, основатель художественного движения футуризма, в 1930 году опубликовал «Манифест футуристической кухни», за которым в 1932 году последовала поваренная книга «Футуристическая кухня».
Маринетти, склонный к фашизму, призывал к полному обновлению итальянского кулинарного искусства. Такие рецепты, как «аляскинский лосось в лучах солнца с марсианским соусом» или блюда из лаборатории, можно было считать авангардным художественным видением, но они не смогли тягаться с пастой и пиццей.
Для Уэйна Тибо, одного из первых представителей поп-арта, еда служила социальной метафорой. Его образы десертов отражают изобилие американского общества.
Примерно в то же время художники начали использовать еду в качестве материала для создания предметов искусства.
Дитер Рот и Даниэль Спёрри создали так называемое искусство еды Eat-Art в 1960-х.
В конце 1960-х — начале 1970-х художницы начали использовать фуд-арт в духе феминизма. В инсталляции Джуди Чикаго «Вечеринка за ужином» высветились достижения женщин, которые раньше не получали должного признания.
Джуди Чикаго вместе с Мириам Шапиро основала «Программу феминистского искусства».
В 1990-х годах фуд-арт служил противодействием растущему социальному отчуждению, вызванному новыми медиа, например Интернетом.
Риркрит Тиравания, например, использовал приготовление и употребление еды в галереях и музеях, чтобы контактировать с посетителями.
Эту тенденцию продолжает, в частности, Лайла Гохар.
Сегодняшние представители кулинарного искусства часто используют новые медиа для политических, феминистских, экономических и социальных заявлений.
Если вернуться к нормальной жизни без политических и социальных потрясений, то надо признать, что мы все обречены до конца своих дней есть 3 раза в день.
И, конечно, все согласятся, что еда должны быть не только вкусной и полезной, но и красиво поданной.
Еда — то, без чего мы не можем жить; еда — то, что нас будет всегда волновать; еда — то, что должно быть не только полезно, вкусно, но и красиво.
Мы не будем сейчас говорить обо всех аспектах питания — просто полюбуйтесь!
Особенно важно подать еду так, чтобы ее хотелось съесть в тех случаях, если дети в еде «нехочухи», также, если блюдо диетическое и — лучше, если оно привлекает не калориями, а полезностью и подачей!
Фуд арт каждому по плечу… или лучше сказать, «по руке»!
Например, такой хлеб вы тоже можете испечь!
Благодаря соцсетям сейчас каждый имеет возможность показать свои творения, даже если они такие недолговечные, как еда.
Как испечь блинного котика, смотрите в рецепте
Вот так можно подать
Рис
Овощи
Фрукты/ягоды
А это рис-лисичка с мяском-котлеткой
Рыбная нарезка
№8 Корзина яблок, художник Поль Сезанн
Год: 1895
The Basket of Apples (1895) — Paul Cezanne
Помимо краткого периода в Северной Европе в XVII веке, натюрморт был забытым жанром, несмотря на усилия Жана-Батиста Шардена. Именно Поль Сезанн, почти единолично, поднял его на вершину, сделав популярным предметом для будущих художников, включая Пикассо, Матисса, Моранди и Брака. Эта картина является ярким примером его творчества, в котором он использовал методы, подобные двум перспективам, которые должны были изменить направление искусства. Картина также отмечена несбалансированными деталями, такими как надписанная бутылка, наклонная корзина и плоды, которые вот-вот упадут.
«Натюрморт с черепом и пером», Питер Клас
«Натюрморт с черепом и пером» можно увидеть в «Метрополитен-музее» (Нью-Йорк). Он создан в 1628 году. Относится к жанру vanitas (натюрморты, посвященные смерти).
Изображение красивое, но пугающее. Череп, опрокинутый бокал, потухшая масляная лампа – все это символы скоротечности жизни. Яркое отличие этой картины от многих других, выполненных в подобном жанре, — ограниченность палитры. Клас использует несколько цветов и их оттенков, что подчеркивает серьезность и мрачность композиции. Каждый созерцатель картины понимает, что жизнь однажды закончится, знания и вино бессильны – ничто не поможет человеку обрести вечность…
№2 Rideau, Cruchon et Compotier (Гардина, кувшин и ваза для фруктов), художник: Поль Сезанн
Год: 1894
Rideau, Cruchon et Compotier (Jug, Curtain and Fruit Bowl) (1894) — Paul Cezanne
Поль Сезанн считается величайшим мастером натюрморта, и эта работа является его самой знаменитой картиной в этом жанре. Технически отмечается двойная перспектива, которую создал Сезанн, она визуально захватывает зрителя красиво написанными несбалансированными частями. Подобные картины Сезанна считаются прелюдией к нескольким типам искусства двадцатого века, включая кубизм Пикассо. По состоянию на 2015 год эта картина является самым дорогим натюрмортом, когда-либо проданым на аукционе.
Реверс трёхмерных изображений
Alexa Meade
В то время как анаморфоз старается сделать двумерные объекты похожими на трёхмерные, реверс трёхмерных изображений пытается сделать так, чтобы трёхмерный объект стал похож на двумерный рисунок.
Alexa Meade
Наиболее заметным художником в этой области является Алекса Мид из Лос-Анджелеса. В своей работе Мид использует нетоксичную акриловую краску, с помощью которой она заставляет своих ассистентов стать похожими на неодушевлённые двумерные картины.
Alexa Meade
Эту технику Мид начала разрабатывать ещё в 2008-м году, а публике она была представлена в 2009-м году.
Alexa Meade
Работы Мид, это, как правило, человек, сидящий у стены, и окрашенный таким образом, чтобы у зрителя возникла иллюзия того, что перед ним — обычный холст с обычным портретом. Чтобы создать такое произведение, может потребоваться несколько часов.
Alexa Meade
Другой значимой фигурой в этой области является Синтия Грейг, художник и фотограф из Детройта. В отличие от Мид, Грейг использует в работе не людей, а обычные бытовые предметы. Она покрывает их углём и белой краской для того, чтобы они со стороны выглядели плоскими.
Cynthia Greig Cynthia Greig Cynthia Greig
«Обратное граффити»
Paul «Moose» Curtis
Как и рисование на грязных машинах, «обратное граффити» предполагает создание картины с помощью удаления лишней грязи, а не с помощью добавления краски. Художники часто используют мощные моечные установки, позволяющие удалить грязь со стен, и в процессе создать прекрасные образы. Началось всё это с художника Пола «Муза» Кертиса, который нарисовал свою первую картину на чёрной от никотина стене ресторана, в котором он мыл посуду.
Paul «Moose» Curtis
Другой заметный художник — Бен Лонг из Великобритании, он практикует несколько упрощённую версию «обратного граффити», используя собственный палец для удаления грязи со стен, скопившейся там из-за выхлопов машин. Его рисунки держатся на удивление долго, до шести месяцев, при условии, что их не смоет дождь или не уничтожат вандалы.
Ben Long / mediacentre.kallaway.co.uk
Следует отметить, что «обратное граффити» — искусство достаточно спорное. У того же Кертиса, например, уже было несколько стычек с полицией, которые он сравнивает с «арестом человека, ковыряющегося палкой в песке».
Девочка с воздушным шаром
Художник: Бэнкси
Год: 2002
Девочка с воздушным шаром (2002) — Бэнкси
На этом граффити изображена маленькая девочка, волосы и платье которой развеваются на ветру. Она протягивает руку, чтобы схватить нить своего красного шара в форме сердца, который унесло ветром. Изображение девочки Бэнкси с воздушным шаром неоднократно использовалось на принтах, футболках, в качестве татуировок и т. д. Певец Джастин Бибер сделал татуировку на основе рисунка. В феврале 2014 года Sincura Group удалила фреску из магазина в восточном Лондоне и продала ее за 500 000 фунтов стерлингов. В ноябре 2015 года репродукция картины была продана на аукционе за 56 250 фунтов стерлингов, что более чем вдвое превышает оценочную стоимость. В 2017 году в опросе Samsung, проведенном для 2000 человек из Соединенного Королевства изображение Бэнкси девочки, выпускающей воздушный шар в форме сердца, было признано самым любимым произведением искусства в стране. Девочка-воздушный шар, созданная самым известным художником-граффити, является самым известным граффити-искусством в мире.
«Девушка с жемчужной сережкой», 1665
«Девушка с жемчужной сережкой», Ян Вермеер, 1665
Художник
ЯнВермеер родился ипрожил всю жизнь вНидерландах. Онпринадлежит кпредставителям золотого века голландской живописи истоит наравне сРембрандтом. Ожизни художника известно мало, ясно лишь то, что унего была хорошая школа живописи: в21 год его приняли вгильдию Святого Луки, что было невозможно без шести лет серьезного обучения упризнанного живописца. Позднее Вермеер дважды занимал должность руководителя гильдии.
Художник достиг успеха еще при жизни, обладал авторитетом ипродавал свои картины засолидные суммы. Писал портретист неболее двух работ вгод. Наданный момент известно о34 подлинниках.
История
История картины Девушка сжемчужной сережкой окутана тайной. Дата написания указана предположительно, так как сам Вермеер еенепоставил. Исследователи досих пор незнают, кто изображен накартине: поодной изтеорий ЯнВармеер изобразил свою дочь Марию, которой было тогда около 12 лет. Впользу этой теории говорит удивительно прямой исмелый взгляд девушки, словно они схудожником близко знакомы.
Подругой версии девушка напортрете— неконкретный человек, асвободное творчество художника, или трони— анонимный портрет-фантазия. Эту теорию подтверждают описи имущества после смерти Вермеера, где указаны два трони втурецком стиле— речь вполне может идти озамысловатом тюрбане наголове девушки.
Стиль
Картина Девушка сжемчужной сережкой относится к барокко. Обэтом говорит сочность, насыщенность цветов и контрастность, придающая портрету выпуклость. Художник мастерски изобразил свет накоже,подчеркнув его контрастно-темным фоном. Естественно выглядятблики вглазах инагубах девушки, которая смотрит словно куда-то заспину зрителю.
Интересные факты
- Художники втот период недавали названий своим полотнам— их придумывали служащие, составлявшие описи имущества. Картина называлась Девушка втюрбане иЛицо девушки, итолько перед выставкой вВашингтоне в 1995 сотрудники музея Маурицхёйс придумали современные вариант.
- Серьезная дискуссия развернулась осамой сережке, аименно оеежемчужности. Многие исследователи обратили снимание наслишком большой размер камня, атакже наяркий блик в его нижнейчасти. Сейчас ученые склоняются ктому, что украшение было неизжемчуга, аизстекла, покрытого матовым слоем. Крупный жемчуг был редкостью ипозволить его могли только богатые, поэтому изВенеции поставляли бижутерию.
«Сирень», Петр Кончаловский
Картина «Сирень» находится в Латвийском художественном музее (Рига). Создана в 1951 году. Это не единственное изображение прекрасных цветов кустарника. Петр Кончаловский был поклонником растения, его даже называли «певцом сирени». За всю свою жизнь он изобразил более 40 красивейших натюрмортов с подобной тематикой.
В этом варианте ветки сирени стоят в обычной банке на грязном и грубом столе. Контраст. Произведение было создано в начале сталинских репрессий. Кончаловский понимал, что в стране царит несправедливость. Но цветы распустились, и кажется, что полотно имеет свой запах – весны и надежды на лучшее. Вопреки всему.
«Звездная ночь», 1889
«Звездная ночь», Винсент Ван Гог, 1889
Художник
Нидерландский художник с детства был тонко чувствующим и замкнутым ребенком. В юности он семь лет занимался оценкой и продажей картин в фирме своего дяди, где и обнаружил страсть к рисованию. Однако коммерция и искусство были для него несовместимы. Будучи сыном священника, он решил пойти по стопам отца: трижды пытался получить теологическое образование, но обостренное чувство прекрасного и справедливого не позволяло ему ладить с людьми.
Потерпев очередную неудачу, Ван Гог сосредоточился на творчестве и решил создать вместе с Полем Гогеном свою мастерскую. Но регулярные конфликты чувствительного Винсента с жестокой реальностью в итоге окончательно вывели его из равновесия: в 1889 году художник попал в психиатрическую лечебницу. Там он прожил год и написал большую часть своих картин. Через несколько месяцев после выхода из лечебницы Ван Гог, по основной версии, покончил жизнь самоубийством, выстрелив в себя из револьвера.
История
В мае 1889 года, во время очередного обсуждения планов с Гогеном, Ван Гог внезапно пришел в неистовство и набросился на друга с бритвой в руках. До конца не ясно, что именно произошло, но позднее ночью Винсент отрезал себе мочку уха. Его забрали в психиатрическую лечебницу в Арле, где через месяц после происшествия художник написал картину «Звездная ночь». И хотя Ван Гог изобразил вид из окна больницы, большая часть экспозиции вымышленная: ему было видно только пшеничное поле и небо.
Стиль
Ван Гог был постимпрессионистом. Художники этого направления стремились отойти отточного изображения предметов иотимпрессионистской фиксации момента. Для них напервом месте стояла задача показать фундаментальные смыслы, используя цвет иформы. Точность визображении реальных объектов теперь тоже была необязательна— главным стало выразить идею.
Вслучае скартиной Звездная ночь сам Ван Гог никак непояснял свою задумку. Искусствоведы полагают, что огромные вихреватые звезды отсылают крелигиозным чувствам: размышлениям оконце бытия, овечности
Важно отметить, что картина была написана накануне острого приступа Ван Гога виюле 1889 года: возможно онтворил всостоянии обостренного восприятия
Интересные факты
- Хотя картина стала одним изизвестнейших полотен Ван Гога, онвпереписке схудожником Эмилем Бернаром назвал её провалом. Ван Гог стремился писать снатуры иизбегать таких абстрактных элементов, как, например, завихрения света звезд.
- Самая яркая звезда накартине, расположенная справа откипарисов,— Венера, которая, помнению исследователей, действительно была таковой втовремя вПровансе.
Фуд арт Йоланды Стоккерманс
Один из «художников еды», которого я хочу вам сегодня представить, — это Йоланда Стоккерманс.
Jolanda Stokkermans — жена, мать (двое детей), у нее 2 собаки, живет в Бельгии, в деревушке Курсел (Koersel).Она не только вкусно готовит, но и и умеет так оформить и подать еду на тарелке, как никто другой в мире!
Ее искусство оформлять еду как в виде животных, птиц, рыб, растений, пейзажей, цветов, а также людей и сказочных персонажей очень реалистично, блюда-картины создаются при помощи пищевых продуктов и специй.
В сети она известна как De Meal Prepper.
А сейчас просто посмотрите Фуд Арт Йоланды Стоккерманс…
Тарелка с едой = картина! Нарисованная едой и специями.
Видео Фуд Арт Весь мир на тарелке!
А как вы подаете еду? Вам близок фуд арт?
Заходите в гости почаще!
Все, что я делаю — я делаю специально для вас, здесь найдете много рецептов вкусных блюд и интересной информации.
Пригласите ваших знакомых и расскажите о новой статье своим друзьям,
— нажав на кнопки соц. сетей.
За это большое спасибо!
До новых публикаций!
Оглавление
«Постоянство памяти», 1931
«Постоянство памяти», 1934, Сальвадор Дали. Находится в Нью-Йоркском музее современного искусства
Художник
Полотно написал испанский художник-сюрреалист Сальвадор Дали
Он сдетства был эксцентричным и притягивающим ксебе всеобщее внимание. За85 лет онсоздал около 1500 произведений, включая сюрреалистические картины, иллюстрации, скульптуры
Сальвадор Дали был известен при жизни. Он стал автором нескольких автобиографических книг, сценариев, разработал логотип Chupa-Chups, работал сУолтом Диснеем над мультфильмом Destino, участвовал всоздании фильмов Луиса Бунюэля иАльфреда Хичкока. Также Дали создал всвоем доме вПорт Лигат 44 бронзовые статуи. Художник вдохновлялся восновном своими сновидениями, самоанализом итеориями Фрейда.
История
Постоянство памяти— небольшое полотно, которое Сальвадор Дали создал всего запару часов, пока его жена Гала была сдрузьями вкино. Сам художник непошел, сославшись намигрень. Изначально Дали писал мыс Креус, новтот день онвзглянул накартину ипонял, что полотну нехватает какой-то идеи, смысла. Онуснул иперед ним предстал образ мягких часов, стекающих светви высохшей оливы. Сам Дали говорит, что наобразы текучих часов его навел мягкий сыр камамбер, которым они ужинали накануне.
Небольшая картина была очень личной для художника. Позже Дали вспоминал, как показал её Гале: Янаблюдал затем, как она разглядывает картину икак отражается наеелице очаровательное удивление. Так яубедился, что изображение производит эффект, ибо Гала никогда неошибается.
Стиль
Постоянство памяти относится к сюрреализму. Мягкие часы выражают основную мысль, озарившую Дали— идею оботносительности времени и его нелинейности. Часы текут вразные стороны, демонстрируя то, как легко вернуться впрошлое или повлиять набудущее. Художник осознавал хрупкость иискусственность привычного понимания времени, очем говорят изображенные накартине твердые часы, поедаемые муравьями, которые символизируют конечность, смертность, разложение.
Однако понятие времени неразрушается полностью— это подтверждают образы яйца, лежащего на берегу, атакже зеркало, будто объединяющее море инебо. В глазах художника время противоречиво иотносительно, нопри этом все равно может существовать исоздавать полотно мира.
Интересные факты
- Сам Сальвадор Дали дал лишь два комментария ккартине: отом, что намягкость часов его навели мысли о камамбере, иотом, что при написании ондумал одревнегреческом философе Гераклите иего высказывании Все меняется, все течет.
- Через несколько дней после написания работы еекупил американец Джулиан Леви, уверяя Дали, что Постоянство памяти непринесет коммерческого успеха ибудет просто висеть унего дома.
Почитайте другие материалы об искусстве на . Например, нашу подборку о сюрреализме в живописи, или о самом дорогом художнике современности .
№5 «Натюрморт», Казимир Малевич
Год: 1911
«Натюрморт», 1911 г. Государственный Русский музей (Санкт-Петербург), Казимир МалевичЧувствуя себя реформатором, Малевич восставал против реализма, а классицизм считал изжившим себя. Он хотел вносить через искусство изменения в повседневность. Помощниками в этом были холст, краски и кисть. Натюрморт с густыми полосами, объемными фруктами и плоской посудой — плод творческих поисков Малевича. Все ее части объединены лишь контрастным цветом, очень характерным для художника. В центре композиции расположилась белая ваза, которую окружают фрукты. Некоторые из них обозначены лишь контурами с залитым цветом внутри, другие изображены с элементами реализма благодаря частичной прорисовке их объема. Ни белой вазе, ни черному кувшину, ни тарелке теней не досталось. Малевич был уверен, что действительность вторична по отношению к живописной форме.
Произведения искусства как призыв к переработке
Анн Мари Прайс (Anne Marie Price), художница-самоучка и преподаватель в Центре искусства Хантингтон-Бич, уже много лет создает на пляже вблизи института временные мозаики из кусочков пластика и стекла. Это мусор, который она находит здесь же на пляже. Так она транслирует идею о необходимости заботы об окружающей среде.
Анн Мари Прайс мозаика из мусора
Анн Мари Прайс мозаика на пляже
Анн Мари Прайс мусор мозаика
Изображения: www.annemarieprice.com
Тему засилия пластика поднимает в своих работах и японская художница Мива Коизуми (Miwa Koizumi). Она обращается к морской тематике, создавая правдоподобные аквариумы с разными видами медуз из PET бутылок.
Анджела Хазелтин Поцци (Angela Haseltine Pozzi), художница и педагог, из маленького городка Бандон, штат Орегон (США), 10 лет назад основала Washed Ashore — экологическую некоммерческую организацию, которая распространяет информацию о загрязнении океана, используя визуальную привлекательность искусства. Гигантские животные, созданные из морского мусора, появляются на различных мероприятия и передвижных выставках. Теперь же компания Анджелы Поцци планирует делать украшения из океанического пластика.
Анджела Хазелтин Поцци скульптуры из пластика
Анджела Хазелтин Поцци скульптуры
Анджела Хазелтин Поцци скульптуры из пластика создание
Изображение: скриншоты inhabitat.com
